En su trigésimo aniversario, la compañía propone un espectáculo de calle de gran formato en el que resuenan icónicos espectáculos anteriores, que reflexiona sobre la paradoja de la soledad en la sociedad actual. La compañía recupera así una característica fundamental de su lenguaje: el uso de grandes escenografías con puestas en escena espectaculares y emotivas, donde la danza más arriesgada contrasta con la rotundidad de grandes estructuras metálicas.

Juga es un espectáculo de circo y de calle para público familiar que gira en torno al mundo del juguete y del juego. Busca la interacción con el público tratando de rememorar cómo se jugaba antes de los años 90. Como jugábamos cuando éramos pequeños y como jugaban nuestros mayores. Es un encuentro intergeneracional y un repaso a la tradición y costumbres de nuestra cultura. Un intento pedagógico para que niños y niñas salgan a la calle a jugar.

Sorprendente, absurdo, poético y participativo, Koosha es un espectáculo que se inspira en el pasado. Con aromas del Este, tintes fellinianos y espíritu de verbena popular, se aventura desde el humor absurdo, la música en directo y una refinada técnica de circo, hacia una reinterpretación simbólica y actualizada de los espectáculos ambulantes de variedades. La cara y la cruz que se alternan entre lo espectacular y lo mundano, la tradición y lo nunca visto.

Dramaturgia, dirección e interpretación: Rubén Río. Técnico Boris: Luis Reche. Escenografía: Tai Brotons. Vestuario: Angelita Pérez. Composición musical: Rubén Río. Producción: Cía. el cruce en coproducción con Festival Circada.

“Fedra amó como sólo los locos saben hacer: sin miedo a caer, sin culpa por doler y escuchando muy poco a los demás”. Fedra, mujer hecha de fuego y de culpa y encendida por el peso de la Historia, pide una segunda oportunidad a Las Moiras para resarcir su nombre. Su alma atormentada en el Inframundo está ligada a su pasión incontrolada por su hijastro Hipólito. Tras llegar a un pacto con las Hermanas del Destino regresa para reescribir su historia y poder así encontrar la paz que nunca obtuvo en su primera vida. ¿Será capaz Fedra de controlar la pulsión natural de sus emociones cuando vuelva a encontrarse con Hipólito o el destino volverá a caer como una losa sobre ella y su familia para arrastrarla de nuevo a los Infiernos? En esta reformulación del clásico mito de Fedra indagaremos en las pasiones humanas, los deseos prohibidos, los juicios morales y la culpabilidad transformada en pecado a través de una tragedia de emociones, irónica a veces, contundente y reveladora.

Os hemos dicho que sois débiles, inseguros, apáticos. Os hemos dicho que nada os importa y que sois frágiles, que las generaciones anteriores somos mejores. Mucho mejores. Una visita extraescolar a un museo acaba con el lanzamiento de una bebida a un cuadro. Algunos adolescentes están implicados. Quizás ha sido un accidente. Quizás no. El cuadro es el de San Jorge matando al dragón. También aparece una princesa, pero no es tan importante.

¿Qué pasa cuando los humanos no logran dominar a las máquinas? Quimera es un dragón de 6 metros de altura y 12 metros de largo y cerca de los 1500kg de peso, manipulado por cuatro actores que dan vida a este enorme títere articulado construido en hierro, cuero y madera, que nos permite navegar entre el mito y la leyenda.

Terra de Guapes es un espectáculo que retrata el folclore y la cultura popular valenciana desde una mirada respetuosa, dulce y contemporánea. Música, performance y danza en directo son los canales a través de los cuales el artista Sandra Monfort explora los matices que definen el pueblo valenciano y sus tradiciones. El espectáculo traza un recorrido simbólico por canciones populares: malaguenyes, cants de batre, la dansa de La Moma, la muixeranga d’Algemesí, el ball del vetlatori, el Misteri d’Elx, representándolas en 4 actos, un viaje musical emotivo que pone en valor y aprecio la cultura valenciana.

Cuando Rob subió a aquel barco, no sabía que nunca llegaría a su destino. O quizás el destino le tenía reservado aquel lugar, una isla en la cual lo único que encontraría sería a sí mismo. Cuando la vida va a la deriva, es difícil saber cuál es nuestro puerto. Y, mientras vienen a rescatarnos, la imaginación se convierte en nuestro único bote salvavidas.

"¿Quién dijo que la mujer debe ser tonta o sumisa para ser amada?". En el Madrid del s. XVI, Finea, heredera de una gran fortuna, es prometida en matrimonio con Liseo. Laurencio, el enamorado de su hermana Nise, por el interés en la dote de Finea, trata de enamorarla con palabras y requiebros.

Llegado el momento de la presentación de los prometidos, Liseo, decepcionado por el imprudente y “bobo” comportamiento de Finea, renuncia a casarse con ella. Liseo y Laurencio acuerdan, tras su enfrentamiento provocado por los celos, cortejar cada uno de ellos a cada una de las hermanas que más le interesa. Tras esta orquestación, a espaldas de ambas hermanas, la personalidad de Finea se va transformando como resultado de su relación amorosa con Laurencio.

El acrecentado ingenio amoroso e intelectual de su hermana Finea generará un desenlace y resolución de las aspiraciones de todos los personajes como ninguno podía esperar de ella.

Texto: Lope de Vega
Versión: Xus de la Cruz
Dirección: Josep Maria Mestres
Reparto: Joaquín Notario, Carolina Rubio, Silvana Navas,
Carlos Serrano, Pablo Béjar, Markos Marín, Concha
Delgado y Víctor de la Fuente.
Ayudante de dirección y asesor de moviliento: Andoni Larrabeiti
Música original de Alberto Granados
Diseño escenografía: Clara Notari
Ayudante de escenografía: Juan José González
Diseño iluminación: Juanjo Llorens
Diseño vestuario: Gabriela Salaverri
Ayudante de vestuario: Paula Fecker
Maestra de verso: Pepa Pedroche
Dirección técnica: Ciru Cerdeiriña
Diseño gráfico y fotografías: Javier Naval
Vídeos: David González | 2VISUAL
Producción ejecutiva: Beatrice Binotti
Dirección de producción: Nadia Corral

El ficus bicentenario de la Familia de la Cruz ha sido presuntamente asesinado. Las cuatro sospechosas principales son las excéntricas miembros de la familia. A medida que el caso avanza, secretos familiares y tensiones salen a la luz en esta pieza de circo y danza donde el público se convierte accidentalmente en testigo del naufragio de una familia en apariencia impecable.

En La ópera de los tres centavos Bertolt Brecht pretende denunciar la prostitución, la miseria y el abuso de poder en plena crisis económica: la obra se estrenó en Berlín en 1928, una época (el final de la década de los años veinte) convulsa. El texto de Brecht es una crítica feroz contra el capitalismo. Para ello, el autor lleva a escena una revisión actualizada de la parodia musical La ópera de los mendigos, del inglés John Gay, y enseña al mundo la versión más cruda de este sistema económico, que Brecht considera que funciona como una gran maquinaria de delito organizado.

La ópera de los tres centavos es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht.

Intérpretes: Coque Malla, Carmen Barrantes, Omar Calicchio, Paula Iwasaki, Miquel Mars, Cristina García, Andrea Guash, Pablo Novoa y Néstor Ballesteros. Cover: Dulcinea Juárez. Músicos: Miguel Malla (saxofón tenor y clarinete bajo), Daniel Rouleau (saxofón alto, saxofón soprano, flauta y piccolo), Yevhen Riechkalov (trompeta I), Gabriel Marijuan (percusión y trompeta II), Roberto Bazán (trombón y contrabajo), Néstor Ballesteros (piano, celesta y armonio), Pablo Novoa (guitarras y banjo) y Carmen Barrantes (cello). Dirección: Mario Vega. Texto: Bertolt Brecht en colaboración con Elisabeth Hauptmann. Música: Kurt Weill. Dirección musical: Miguel Malla. Traducción: Ruth Sánchez y Mario Vega. Diseño de iluminación: Juan Gómez-Cornejo. Diseño de vestuario: Elda Noriega. Diseño de escenografía: Mario Vega. Diseño de sonido: Pilar Calvo. Movimiento y coach vocal: Óscar Martínez-Gil. Ayudante de dirección: Ruth Sánchez. Ayudante de iluminación: Pilar Valdelvira. Ayudante de vestuario: Natalia Cieza. Ayudante de escenografía: Berta Navas. Dirección de producción y producción ejecutiva: Nuria Cruz Moreno. Adjunto a dirección de producción: Fabián Ojeda Villafuerte. Jefa de producción: Blanca Serrano. Ayudante de producción y regiduría: Paco Flor. Asistente de producción: Vanessa Tejero. Dirección técnica: Alberto Hernández de las Heras. Técnico de maquinaria: David González. Técnico de iluminación: Eduardo Vizuete y Raúl Baena. Técnico de sonido: Ricardo Márquez, José Peña, Rubén Muiño y Carlos González. Sastrería: Jennifer Alonso. Asesoría coral: Víctor Batista. Construcción de escenografía: Maroto & Vergara. Asesoría técnica de escenografía: Eduardo Rodríguez. Acabados de escenografía: Paul Jara. Alquiler de vestuario: Peris Costumes. Confección de vestuario: Elda Noriega, Nines G. Cano y Carlos Pinilla. Administración: Henar Hernández. Coordinadora de operaciones: Jennifer Alonso. Jefa de prensa: María Díaz. Fotografía: Sergio Parra. Diseño gráfico: Eva Ramón. Distribución: Fran Ávila Producción y Distribución. Una producción de Barco Pirata Producciones Teatrales, Teatro Pérez Galdós y unahoramenos Producciones, en coproducción con el Auditorio de Tenerife.

Una travesía de cuerpos y lugares, donde el movimiento abre caminos de encuentro. Imágenes vivas entre cuerpos y espacio, un diálogo sensible con el entorno para atravesarlo juntos. Acompañados por una DJ que pincha música en directo y construye, en tiempo real, un espacio sonoro propio. Dos bailarinas llevan altavoces móviles que amplifican y desplazan este paisaje sonoro, creando una experiencia envolvente que se mueve con y entre los cuerpos.

Original Greek es una pareja viajando juntos por primera vez. Es un viaje a Atenas. Es un debate. Es una conversación viajada. Es una conversación de las relajadas, pero intensas. De las que necesitan tiempo para atender al otro y capacidad para cambiar de opinión. Es una pieza sobre el amor y la diferencia. Es una obra sobre la construcción de un presente común a pesar de las divergencias. Es una historia sobre el turismo, sobre la comunicación con los otros y con nosotros y con las dudas y con los imprevistos.

Dirección e interpretación: Toni Agustí y Marina Alegre. Texto: Juli Disla y Eva Mir. Traducción al valenciano: Marina Alegre. Diseño de escenografía: Toni Agustí. Diseño de vestuario: Marina Toniovic. Diseño gràfic: Marina Alegre. Diseño de iluminación: Mundi Gómez. Fotografía de escena: Andreu Gómez

Técnico en gira: Mundi Gómez. Mediación: Alba Suay – L’Horta Teatre. Distribución: Lola Domingo – L’Horta Teatre. Dirección de producción: Bea López – L’Horta Teatre. Una producción de: Marina Toniovic. Colabora: L’Horta Teatre. Planters Sala L’Horta. Agradecimientos: Patrícia Pardo – Asesoramiento técnica clown.

Esto es un juego: tú pides una canción, el técnico la añade a una lista aleatoria y yo bailo lo que suene. Sin filtros, sin coreografía, sin saber qué va a salir. Llevo 40 años moviéndome, bailar me alivia. Celebramos 20 años de La Siamesa con esta acción sin pretensiones: necesitamos un rincón, equipo de sonido y tu petición. Ven, elige un tema y mira cómo una bailarina sostiene la energía. ¿Te atreves a pincharle? Esto es bailar a la carta.

Anudar reformula en escena elementos del folclore valenciano y profundiza en el significado simbólico de la acción de trenzar a partir de la reinterpretación de la Dansa de les Vetes, una danza de celebración, juego y unión.

Trenzar, tejer, anudar, enredar… cinco mujeres que tejen su propio destino creando al tiempo una red, una comunidad de apoyo y de cuidados que, a veces, también crea tensiones y cambia de dirección, dando lugar a nuevas formas y configuraciones.

Una compañía de teatro está a punto de estrenar “Las balconadas de Oro”, una obra creada con escenas de balcón del teatro clásico español. Todo está a punto de empezar cuando la primera actriz recibe una noticia que hará tambalear el glorioso día del estreno.

Una comedia dislocada, trepidante y de calle que se adentra en la tradición teatral con los versos de Lope de Vega, Tirso de Molina, Calderón de la Barca o el Duque de Rivas. La obra propone una mirada actual y reflexiva alrededor de la lectura que hacemos de los clásicos en el S.XXI, así como el papel de la mujer en ellos o la voz de autoras del Siglo de Oro, bastante desconocidas hasta hace relativamente poco.